ESPERA EXQUISITA – estudio bespoke

ART SELECCIÓN

by Estudio Bespoke

El servicio de selección de arte para el hogar o lugar de trabajo funciona independientemente del numero de obras de arte que el cliente desee comprar: después de una o varias reuniones, EstudioBespoke selecciona una cantidad de obras adaptadas a tu espacio, estilo y ante todo presupuesto. EstudioBespoke sugerirá una cuidada selección de obras para que cada cliente pueda elegir la que mas se adapte a sus necesidades. Este servicio de asesoría focaliza la inversión artística del cliente bajo nuestros propios estándares y criterios de revalorización. El coste de este servicio de asesoramiento es cero para todos los clientes que trabajen con nosotros en cualquier otra de las disciplinas desarrolladas por EstudioBespoke.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Oficina Profesional

Inkless. Desde el rincón de pensar Renato Costa

Renato Costa establece un paralelismo entre el concepto de agotamiento –ya sea físico, emocional, medio ambiental, social o de cambio de un ciclo- con el término mecánico 'inkless', empleado para advertir que una impresora ya no tiene capacidad para seguir realizando su función y, por tanto, es el momento del cambio. Pretende revelar el sentido de urgencia en la insostenibilidad del sistema, reforzando la idea de agotamiento de las utopías y la necesidad de encontrar el compromiso necesario para provocar un cambio, una salida a este momento.

Considerado una de las voces más relevantes dentro del discurso pictórico brasileño en su diáspora (y en su alteridad), Renato Costa despliega una obra en la que activa el carácter narrativo de la pintura y la posibilidad de gestionar -desde el mismo centro de esta- el tan deseado “desvío retórico”. Nace en la ciudad de Rio de Janeiro (1974). Hijo del pintor Manoel Raimundo Pereira da Costa, de forma muy temprana muestra señales de interés y aptitudes artísticas. Iniciando, por lo tanto, su formación junto a su padre, que le anima sobretodo a establecer un proceso de aprendizaje casi autodidacta, basado en la práctica diaria y constante del dibujo y en la observación del entorno. Esta “práctica” establecida por su padre, tenía como finalidad, promover un alto grado de libertad y fortalecimiento de la propia intuición. A los 15 años de edad, empieza a colaborar con algunas de las galerías de arte más importantes de su ciudad, que se dedicaban, en aquel momento, al arte Moderno Brasileño e internacional, como la Galería de arte Borghese (Rio de Janeiro). Estos años de colaboración con estas Galerías, le permiten construir un cierto “oficio” en su quehacer artístico. En 2005 se traslada a Madrid (España), ciudad donde, unos años después, ingresaría en la Facultad de Bellas Artes de la Complutense. En 2007, también en Madrid, conoce a la periodista Maritcha Ruiz Mateos la que sería su futura esposa y madre de su hijo Renato (2013). Cuenta, su haber, con amplísimo repertorio de exposiciones individuales y colectivas dentro y fuera de España. Su obra ha sido validada por algunas voces críticas y refrendada en medios y revistas especializadas del ámbito latinoamericano. Actualmente, ha fichado como artista exclusivo de una las históricas Galerías que representan el arte Español desde los años 70, la Galería Miguel Marcos en Barcelona.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Recepción

Delicias en mi Jardín Lola Guerrera

Texto: Rocío Alés, crítica de Arte

Para Deligths in my garden, la autora realiza manualmente figuras de origami, pequeñas esculturas de papel que simulan ser animales, plantas, flores... Del mismo modo artesanal son dispuestas una a una en entornos naturales seleccionados al azar, creando lo que podríamos denominar como una “instalación de esculturas”.
A pesar de que la autora continúa con la investigación acerca de las cualidades creativas del papel blanco y con el mismo modo de proceder en el plano material, el cambio de escenario conllevará un cambio del discurso central, planteándonos una serie de cuestiones de fondo que apelarán a la sociedad actual y al ritmo frenético de vida que se nos ha impuesto. Las figuras de origami, generadas e instaladas en la naturaleza previamente, pretenden romper con la mecanización de los procesos industriales a los cuales nos vemos sometidos en la actualidad. De este modo, la artista se centra en el proceso creativo detrás del cual se esconde el agente humano, dejando a un lado la manipulación industrial.

Lola Guerrera es licenciada en Comunicación Audiovisual por la universidad de Málaga y Master en Fotografía por la escuela internacional EFTI. Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Inglaterra, Portugal, Francia, Guatemala y México. Ha recibido diferentes galardones entre los que destacan la Beca de Creación Artística para Iberoamericanos en México, Descubrimientos PhotoEspaña 2010; y los premios Fundación AENA, Fundación Biodiversidad, Caminos de Hierro y Certámen Andaluz de Fotografía.

Sus fotografías han sido adquiridas por instituciones privadas tales como el Museo de Arte Contemporáneo de Málaga, y el Centro Nacional de las Artes de México. Y han sido publicadas por prestigiosas revistas como BLINK, RÉPONSES PHOTO y WALLPAPER.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Despacho

Pasaje Roberto Díez

Texto del artista

La obra pertenece a la colección Pasaje y ha sido realizada entre 2007 y 2009 con materiales comunes (madera, cuerda, papel, pintura ) utilizando procedimientos como la acumulación, el collage y el ensamblaje.
Estos tres procedimientos de experimentación, nacidos de las vanguardias, encuentran un fundamento común en la estrategia del bricoleur, de la que habla Lèvy-Strauss en El pensamiento salvaje: la invención de un objeto por un aficionado, que es, en sí, una búsqueda e imposición de un sentido a un objeto.
La razón que encuentro para haber trabajado asiduamente con estos procedimientos, tras cien años de su aparición en la escena artística, es que siguen demostrándose vigentes y adecuados al estado de creciente heterogeneidad e incertidumbre del mundo actual, que mantienen intactas sus capacidades mitopoéticas y así posibilitan la experiencia artística sin condiciones previas, progresivamente desfigurada tras el largo proceso de desposesión que soportamos. “El problema del arte no es hallar nuevos materiales sino sentirlos, qué tipo de sentido, de significado podemos encontrar con los materiales existentes...el arte, más que de ideas está hecho de materiales” (Tony Cragg, 2006).
En la obra que nos ocupa, el collage es un procedimiento de enmascaramiento de superficies por superposición. Su intención original es introducir los objetos reales en la obra de arte. Sucede que, modernamente, entre todo el material que se tira y del que nos servimos para nuestros propósitos, abunda la letra impresa en papel, que procede de la escritura. ¿Es la letra impresa otra cosa que papel?
La respuesta es que sí: que la literalidad añade otro registro, diferente de la textura y del color del propio papel: aporta contingencia, memoria, relación. Y puede llegar a convertirse en verdadera piel. El papel escrito posee un valor propio como resto, no como discurso o instrucción: se trata del valor de lo efímero por excelencia: el valor del tiempo.

Roberto Diez estudió Derecho en la Universidad de Oviedo. Desde la 1ª Muestra de Arte Joven (1984), organizada por el Ministerio de Cultura, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. En 1999 participa en el taller de escultura que imparte Martín Chirino en la fundación Marcelino Botín. En 2005, en el taller organizado por Sudoh Gallery en Odawara (Japón). Ha colaborado varias temporadas en el programa La estación de Aviñón, por Eugenio Castro en Radio Círculo, emisora de FM del Círculo de BBAA de Madrid. En la actualidad colabora con la publicación FrA, de la Fundación Ramón Areces y reside en Madrid.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Dormitorio

Amelie Bouvier

Texto del artista

El siglo XVII trajo la revolución científica. Las imágenes se volvieron esenciales para la investigación astronómica. El dibujo y su capacidad de detalle se utilizaron para hacer que el cosmos fuera perceptible. Estos testimonios ilustran la evolución del conocimiento humano, así como la evolución de las perspectivas consensuadas del futuro....La llegada de la fotografía no ha disminuido la importancia del dibujo. Aquí es donde comienza mi práctica. Estoy cautivada por la historia de las vistas aéreas, las imágenes del espacio exterior y las explosiones solares o humanas. Estas observaciones cósmicas (siglos XVII-XXI) ofrecen pistas que sugieren el futuro, así como los estremecimientos sociales, geográficos y políticos que cruzan nuestro presente.

Mi enfoque es la conformación del trabajo y las ideas: la creación. Comprometidos en procesos físicos y materiales, muchos de mis dibujos adoptan estrategias que imitan repeticiones mecánicas donde el error es inevitable y a menudo invisible. Desde esculpir herramientas para dibujar hasta experimentar con tintas que no pueden soportar el sol, trato de revelar una realidad ligeramente diferente de la que sugiere la ciencia. Esto también ha incluido una serie de serigrafías resultantes de la manipulación de imágenes de archivo, videos sin editar atrapados entre la realidad y la ficción, y objetos cuya textura distrae de su verdad. Todas las obras proyectan la posibilidad de que las cosas no sean como las percibimos, recontextualizando y preservando detalles, historias e hipótesis fallidas.

Amelie Bouvier ha recibido numeroso premios entre los que destacan: WBI - Aide à la mobilité internationale, Bruxelles / Artichok Grant - delivered by the BIJ, Bruxelles / Winner of the prize Hors-d’oeuvre ISELP, Brussels / Aide a la création Fédération Wallonie, Bruxelles / Prize Emergent Artist - Just Mad Art Fair, Madrid / Production grant from French Institute of Portugal - IFP / Finalist of the Prize CIC’ART, Francia / The Audience award prize at the Prix Jeune Création, Moulin Saint-Remy des Arts / Inov-Art 2th edition: Grant for residencies and internships from Portuguese cultural minister

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Sala de espera

Holidays Jorge Fuembuena

Texto : Rosa Olivares

Alrededor de su serie fotográfica “Holidays”, Fuembuena nos propone un viaje a lugares idílicos a modo de work in progress, en el que plantea una interrogación sobre los lugares de ocio y el control que es ejercido en esos escenarios turísticos.
Jorge Fuembuena para esta serie ha viajado a los países nórdicos (Islandia y Finlandia) y a otros del área mediterránea. En busca de escenarios que bajo una apariencia de libertad, guardan normas de control y regulación dictadas por las infraestructuras turísticas de los respectivos países. De este modo, el artista lleva a cabo una exploración de estos paisajes naturales sometidos a la industria del ocio.
“En el mundo actual, la posibilidad de llegar a los lugares más recónditos del planeta, en esos viajes organizados, atestados de gente, impide la contemplación y por tanto hace difícil hoy la experiencia estética individual. Lejos queda de nuestro mundo esa extraordinaria imagen del Caminante sobre el mar de nubes, pintada por el artista romántico alemán Caspar David Friedich en 1817-1818. La imagen de ese caminante solitario contemplando la inmensidad del paisaje, absorto en su sublime belleza, de espaldas al espectador, ha sido sustituida en nuestro tiempo por esta otra de los tropeles de gente que nos encontramos en todos los lugares del mundo”

El trabajo de Jorge Fuembuena se ha presentado en Bienales como Fotoseptiembre 2011 (CCEMEX. Mexico D.F), Fotonoviembre 2011 (Fundación Mapfre, Tenerife), la Bienal de Casablanca 2012 y la V Bienal de Arte Contemporáneo Fundación ONCE o en la Photo Biennale 2016 en el Museo de Fotografía de Tesalonika (Grecia), y en Ferias Internacionales de arte contemporáneo como The Solo Proyect Art Basel, Pulse Miami , Off Photo Paris, Summa , Estampa, Swab, Just Mad, Arte Santander y Foro Sur.

Entre otros su trabajo ha sido premiado en Generaciones Caja Madrid 2011, en el Festival Internacional de Artes Visuales Emergent 2010, Premio OCEMX 2011 (Mexico D.F), Premio Foto-reportaje ARCO 2010 y medalla de Oro en el Prix PX3 2012 (París, Francia), Premio Santa Isabel de Portugal de Fotografía (autor joven) 2008, Mención de honor en 2012 IPA Competition (Lucie Foundation, NYC) y finalista en certamentes como Fundación AENA 2012, Descubrimientos Photoespaña 2011 o el Rennaisance Photography Prize 2014( Londres) y ha recibido becas como la de la Fundación Santa María de Albarracín de fotografía 2010, la del Encontro de Artistas Novos Cidade Da Cultura 2011 o la beca del Istituto Europeo di Design para cursar el Master Europeo de fotografía de autor en 2013.

Su obra se encuentra presente en numerosas colecciones privadas y públicas como la Colección Spallart, la Colección Nancy Novogrod, la Colección Polly Meyer, la colección Jessica Levy, la colección Rafael Tous, la colección Los Bragales, la colección DKW, o la Colección Alcobendas de fotografía.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Vivienda privada

Mitología encontrada Luís Cruz

Texto : Ana de la Fuente

En Mitología encontrada, el artista juega con sus pinceles sin corsés ni ataduras confiriendo a algunas de sus obras un misterio añadido al dotarlas de toques grises y oscuros.

«Siempre me ha interesado tapar los rostros, pero no con la idea de esconder algo, sino para sacar más posibilidades de uno mismo», explica el autor.

Las figuras de Cruz se arquean y se sostienen milagrosamente desafiando las leyes de la gravedad como es el caso de una pareja de funambulistas, un hombre que ‘flota’ entre las ramas de un árbol ante la atenta mirada de un pájaro o un acróbata que mantiene el equilibrio sobre una sola pierna.
Cruz no se repite, busca, indaga y en esa búsqueda encuentra nuevos caminos para su pintura. La abstracción de sus primeros trabajos ha ido dejando paso a la forma. «Me gusta mucho juguetear ya que creo que la principal misión de un artista es sorprender y los primeros obligados a sorprendernos somos nosotros mismos», apunta.

No hay espacio suficiente para describir la trayectoria artística de la obra de Luis Cruz y las exposiciones tanto individuales como colectivas en las que ha participado, así como las galerias donde se ha podido disfrutar de su obra. Se pueden encontrar sus obras en museos como:
Museo Reina Sofía. Madrid. / Museo de Bellas Artes de Asturias. Oviedo. / Museo de Albacete. / Fundación Simancas, Valladolid. / Ayuntamiento de Augusta, E.E.U.U. / Colección Unión Fenosa. / Colleció Testimonio-Caixa D´Estalvis de Barcelona. / Ayuntamiento de Valladolid. / Colección Caja Burgos. / Junta de Castilla y León. / Colección Norte. Cantabria. / Museo del Faro de Cabo Mayor. Santander.

SELECCIÓN ARTÍSTICA / Comedor

Norlandia Juan Baraja

Texto : Guillermo Espinosa

“Norlandia” es un retrato cercano, con detalles de intimidad, de una pequeña empresa familiar de secado de pescado, actividad habitual en los países nórdicos, que exportan esta materia a buena parte del África negra. En cuanto a arquitectura en sí, este edificio apenas parece tener virtudes más allá de una disposición moderna en su funcionalidad y su parca ingeniería pragmática: orientada a un uso concreto, inservible e inválida en términos estéticos para otro fin. El cambio operado en la aproximación a esta realidad, que ya no es solo arquitectónica, sino también humana, ha llevado al fotógrafo a ampliar sus miras: el paisaje que la contextualiza se alza con fuerza, y también los sujetos y objetos que dan vida a la razón de ser de este microcosmos lejano: Baraja practica por primera vez el paisaje, el retrato y la naturaleza muerta de una forma inaudita en su trabajo anterior, como elementos de contexto, y perfecta en las consecuencias que aporta al relato.

Juan Baraja (Toledo, 1984) es Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha desarrollado toda su carrera artística en el ámbito de la fotografía, destacando entre la última generación de fotógrafos españoles, los mismos que han ampliado los horizontes fotográficos sumando imágenes en series vinculadas a conceptos, ideas o un relato. Su trabajo se ha exhibido en galerías privadas de todo el territorio nacional, y también en instituciones. Entre sus exposiciones individuales destacan “Águas Livres” (Espacio Líquido, Gijón), Catedrales (Utopía Parkway, Madrid), Fuera de Escena (Real Sociedad Fotográfica, Madrid) o Archiitekturen (Ufferstudios, Berlín). Entre sus exposiciones colectivas, “Miró. Origen Revelat” (Casal Solleric y Fundación Pilar y Joan Miró, Palma de Mallorca), “Aus der Tiefe” (Sandra Recio Gallery, Suiza), “Drink Me” (DA2, Salamanca) o “Contexto crítico. Fotografía española del siglo XXI” (Tabacalera, Madrid).

Ha participado en distintos certámenes y bienales, resultando premiado en muchos de ellos, como el XXV Certamen de Artes Plásticas de la UNED, la XVI edición del Premio Arte Joven de la UCM; el PHOTO ART PRIZE FLORENCESHANGHAI; el Certamen de Jóvenes Creadores de la Comunidad de Madrid, el de Castilla-La Mancha o el Premio Ciudad de Alcalá de Fotografía, entre otros. En 2017 fue seleccionado por la Beca de la Real Academia Española en Roma. Su obra está presente en colecciones tales como Fundación María Cristina Masaveu, Fundación Cerezales Antonino y Cinia, la Colección DKV, Artphilen Foundation, Colección de Arte Contemporáneo de la UNED, La Colección de Fotolibros Españoles del MNCARS o el Museo de Pollença entre otros.